Центры производства российской керамики




Введение

Керамика (греческое — гончарное искусство, от слова keramos — глина) — это изделия, которые производятся путем спекания глин и смесей глин с минеральными добавками. Керамика распространена в быту (посуда, фигурки из керамики, вазы, картины), она применяется в строительстве, в искусстве. Можно выделить основные виды керамики: терракота, майолика, фаянс, фарфор.


История керамики разнообразная и очень интересная. Когда человек научился обрабатывать глину, он начал изготавливать посуду. Все керамические изделия делаются из глины, но из разных сортов глины, с различными добавками, поэтому они выглядят такими разными. С самых древнейших времен человек изготавливает изделия из керамики, произведения искусства, посуду. В развитии художественной керамики было сделано много замечательных открытий. Люди экспериментировали с сортами глин и примесей, с приемами формовки и обжига, украшения изделий. В стремлении получить тонкую, красивую, прочную керамику, производители из разных стран делали похожие изобретения.


Глава 1. Техники художественной керамики


1.1 Виды керамики


Фарфор, фаянс, майолика


Если история создания первого керамического сосуда восстанавливается нами по материалам археологических исследований, то история самого распространенного вида керамики - фарфора - известна достаточно хорошо. Фарфор - изобретение древних китайцев. Древнейшая его разновидность (протофарфор) был известен в Поднебесной уже задолго до н. э. В некоторых источниках указывают даже год его изобретения - 1258 до н. э.

Традиционный китайский и японский фарфор тысячелетиями не менял своих форм. Чаша и блюдо оставались основой различных стилевых украшений.


Фарфор непроницаемый для воды и газа. В тонком слое просвечивающийся. Звонкий и без пор.

Фарфор обладает высокой механической прочностью, химической и термической стойкостью, электроизоляционными свойствами и применяется для изготовления высококачественной посуды, художественно-декоративных и санитарно-технических изделий, электро и радиотехнических деталей, коррозионностойких аппаратов химической технологии, низкочастотных изоляторов и т. д.




Фарфор обычно получают высокотемпературным обжигом тонкодисперсной смеси каолина, полевого шпата, кварца и пластичной глины (такой фарфор называется полевошпатовым). Термин фарфор в англоязычной литературе часто применяется и к технической керамике: цирконовый, глинозёмный, литиевый, борнокальциевый и др. фарфор, что отражает высокую плотность соответствующего специального керамического материала [10, С., 21].

Фарфор также различают в зависимости от состава фарфоровой массы на мягкий и твёрдый. Мягкий фарфор отличается от твердого не твердостью, а тем, что при обжиге мягкого фарфора образуется больше жидкой фазы, чем при обжиге твердого, и поэтому более велика опасность деформации заготовки при обжиге.


Твёрдый фарфор богаче глинозёмом и беднее флюсами. Для получения необходимой просвечиваемости и плотности он требует более высокой температуры обжига (до 1450 °C). Мягкий фарфор более разнообразен по химическому составу. Температура обжига достигает до 1300 °C. Мягкий фарфор используется преимущественно для изготовления художественных изделий, а твёрдый обычно в технике (электроизоляторы) и в повседневном обиходе (посуда).

Одним из видов мягкого фарфора является костяной фарфор, в состав которого входит до 50 % костяной золы, а также кварц, каолини т. д., и который отличается особой белизной и просвечиваемостью.


Фарфор покрывают глазурью или без глазури — бисквитный фарфор.

Фарфор сегодня расписывается несколькими способами: подглазурной росписью и внутриглазурной росписью фарфора с высокотемпературным обжигом и надглазурной росписью при низкотемпературном обжиге фарфора. При подглазурном расписывании фарфора краски наносятся прямо на бисквитный фарфор. Затем фарфоровое изделие покрывается прозрачной глазурью.


Надглазурная роспись фарфора с высокотемпературным и низкотемпературным обжигом подразумевает нанесение красок на уже обожженную глазурованную поверхность фарфорового изделия.


Обжиг высокотемпературных надглазурных фарфоровых красок (или внутриглазурных красок, как их еще называют) проходит при 1200- 1350 С. При этой температуре краска въедается в глазурь и в дальнейшем лучше противостоит механическому и химическому воздействию кислых пищевых продуктов и алкоголя. При этом методе росписи фарфора используется намного более богатый набор красок.

Среди красок для росписи фарфора особо выделяется группа красок, приготовленных с использованием благородных металлов. Наиболее распространены краски с использованием золота, реже используются серебряная и платиновая краска. Чаще всего используются надглазурные золотые краски для низкотемпературного обжига фарфора, хотя существуют и внутриглазурные золотые краски.


Фарфор расписывают матовой или блестящей позолотой. В обоих случаях это вязкая черная или коричневая жидкость, содержащая 8 - 12% золота для блестящей позолоты фарфора или 18 - 52% мелкой золотой пыли и химически растворенного золота для матовой позолоты фарфора. Во время обжига фарфора блестящая позолота начинает сверкать и в дальнейшем не требует дополнительной обработки. Матовая позолота после обжига фарфора остается матовой и полируется стекловолокном из пластика или морского песка, агатовым "карандашом". Толщина матовой позолоты фарфора в 6 раз больше, чем толщина блестящей позолоты фарфора, и, таким образом, матовая позолота фарфора более декоративна и устойчива. Кроме золота, матовая золотая краска содержит и другие благородные металлы, которые добавляют оттенок краске.

Кроме чисто глиняных изделий и утонченного фарфора существуют и другие виды керамики. Ближе к глинам по технике изготовления располагается майолика. Так называют изделия из цветной обожженной глины, крупнопористые внутри, а сверху покрытые двумя слоями глазури. На нижний слой непрозрачной глазури с содержанием олова ангобами наносили узор, а сверху его защищали другим слоем из блестящей свинцовой глазури. Обжигали живопись на майолике при низкой температуре, что позволяло сохранять интенсивность красок.


В Европу майолика пришла через посредство арабских торговцев. Потому, возможно, и получила сове название от острова Майорка - главного центра по экспорту испано-мавританской керамики в Италии. Расцвет европейской майолики приходится на XV- XVII века. В Италии появляется множество керамических центров: Фаэнца, Кафаджоло, Урбино, Кастельдуранте. В России майолика становится известной в XVII веке. Из нее изготавливают изразцы, архитектурный декор (Москва, Ярославль). В XVIII веке становится известной майолика Гжели.


Белую майолику, изготовленную в крупнейшем керамическом центре Италии часто называли фаянсом. Однако подлинный фаянс, называемый специалистами «тонким фаянсом», рождается в Англии во второй половине 18 века. При изготовлении фаянса в белую глину примешивают известь. В итоге получается белое пористое изделие, которое сверху покрывают белой глазурью. В зависимости от содержания извести различают «мягкий тонкий фаянс» (с высоким содержанием извести), «средний тонкий фаянс» (со средним содержанием извести), и «твердый тонкий фаянс» (практически совсем без извести). Последний вид фаянса по виду и крепости очень напоминает фарфор или изделие из так называемой «каменной массы».


«Каменную массу» в качестве материала для керамики начали применять в 16 веке в Германии. Здесь глину разных сортов смешивали с различными измельченными минералами (полевым шпатом, кварцем и т.д.). Обжигая изделие при температуре 1200 - 1280е С получали очень твердую («каменную») массу, которая при формовке давала почти непористую поверхность. В самой Германии изделия из каменной массы делали белыми, в Голландии - красными, в Англии - голубыми.

Чёрно - лощёная керамикаОдним из старейших приёмов украшения посуды является лощение. При «лощении»,поверхность изделия наигрывают до зеркального блеска камнем-голышом, косточкой, стальной ложкой, стеклянным пузырьком. Так покрывают часть либо всю поверхность сосуда, не совсем высохшего, ещё не обожжённого. Одновременно лощение уплотняет поверхность черепка, делает его менее водопроницаемым и более прочным. При этом верхний слой глины уплотняется, становится более прочным и меньше пропускает воду. Этот легкий способ в старину даже заменял более трудоемкое глазурирование.Существует краснолощеная и чёрнолощеная керамика. Первая – естественного цвета красной гончарной глины. Вторая – задымлённая, обожжённая в коптящем пламени без доступа кислорода. В самом конце обжига в гончарный горн клали смолистые сосновые дрова, ненужное тряпьё, сырой навоз и траву - словом всё, от чего возникал густой чёрный дым. После томления сосуды получали глубокий чёрный цвет. На бархатистом чёрном фоне узоры отливали синеватым стальным блеском, за что такую посуду в народе прозвали «синюшками» [15, С., 23].

Также чёрную керамику ещё называют томлёной или морёной. Этот древний тип гончарства распространён в разных районах России и сохранился до наших дней.Чернолощёная керамика известна на территории Москвы с 3 века нашей эры ( Дьяковская культура). Широкое распространение такая керамика получила, начиная с 17 века


Задымливание применялось с 7 века. В документах Великого княжества Литовского печные горшки, обработанные данным способом, упоминаются под названием «dymezi». Задымливание производилось при окончании обжига. В топку подбрасывали дрова – «смоляки» и ждали, чтобы от них пошёл дым, после чего сооружение герметизировали. Затем горн засыпали землёй, устье закрывали заслонкой и замазывали глиной. Через сутки посуду доставали. Она имела чёрный с синеватым отливом цвет, её называли «синяй», реже «чёрнай».

Эта технология применялась в сочетании с лощением и в начале 20 века. Говорили, что «синяя» посуда лучше, чем обварная или глазурованная. Эту посуду изготавливали специально к еврейскому празднику «Песах», т.к. евреи не употребляли по религиозным соображениям обварную и глазурованную керамику.


Также эта техники называлась – техникой Букеро. При помощи её поверхность керамических изделий приобретает чёрный и блестящий цвет, была усовершенствована этруссами. Изделия отличаются особой элегантностью.


Лощение производилось в Погосте-Загородском на Пинщине, применялось чаще всего для кухонной посуды. Оно производилось на подсушенной поверхности изделий. В качестве лощила местные ремесленники употребляли обычный кремень – «крамушку». Пользовались сплошным и орнаментальным лощением в виде разнообразных узоров («ёлачак», «пасачак»). В 15-18 вв. московские гончары виртуозно выполняли чёрную посуду – крупные кувшины, фляги, бочонки на ножках, украшенные наряду с лощением рельефным и тисненым орнаментом.

В ряде районов Ярославской, Московской, Калужской губерний сохранилась традиция изготовления чернолощённой посуды, которую вытягивали в одних местах на ножных, в других – на ручных гончарных кругах, украшали бороздками, несложной гравировкой прямо на станке с помощью штампиков из дерева, глины, металла. Удивляют гармония пропорций, пластическая завершённость и ясность форм этих простых предметов: кувшинов для масла, молока, корчаг для кваса, крынок, разных размеров горшков для каши, сметаны, рукомоек и т.д. Такая гончарная посуда бытовала в Псковской, Новгородской, Тверской и других губерниях. В экспозиции Брестского художественного музея чёрнолощеная керамика представлена в работах. Можно добиться эффекта задымления применяя при обжиге активированный уголь.


Материалом для изготовления чёрно – лощённого изделия является глина. Глина бывает разных видов и оттенков. Может быть тощая, с большой примесью песка, а может быть жирная, с недостаточным его количеством. Оттенки глины при обжиге так же меняют свой цвет. Прочность обожженных изделий также сильно отличается. Сейчас наиболее распространена голубая глина, у неё хорошие свойства, состав, с ней проще работать. Любая глина бывает двух видов в порошкообразном и в виде готового глиняного теста. Для отливки по гипсовым формам лучше выбирать глину- порошок, она отлична как шликер. Иногда в состав такой глины входит стекло, что увеличивает прочность изделия, но значительно ухудшает её свойства. Идеальным вариантом является глина с высоким содержанием оксида железа.


1.2 Керамика древних цивилизаций


Одним из древнейших производств в Египте было гончарное: глиняные горшки из грубой, плохо перемешенной глины дошли до нас от эпохи неолита (4-5 тысячелетия до н. э.). Изготовление керамической посуды началось, как и в современном Египте, с размешивания ногами глины, политой водой, к которой иногда добавляли мелкорубленую солому - для уменьшения вязкости глины, скорейшего высыхания и предотвращения при этом чрезмерной усадки сосуда. Формовка сосудов в неолитический и додинастический периоды производилось вручную, позднее в качестве вращающейся подставки стали применять круглую циновку - предшественницу гончарного круга. Процесс работы на гончарном круге изображен на росписи в гробнице Среднего царства в Бени- Хасане. Под ловкими пальцами формовщика глиняная масса принимала формы горшков, мисок, чаш, кувшинов кубков, больших сосудов с остроконечным или закругленным дном. В росписи нового царства сохранилось изображение большого глиняного конуса, сформованного на гончарном круге, сосуд делают из его верхней части, которую отделяют от конуса бечёвкой. При изготовлении больших горшков формовали сначала нижнюю его часть, а затем верхнюю. После того как сосуд был сформован, его сначала сушили, а затем обжигали. Первоначально это делали, вероятно, прямо на земле - на костре. На рельефе в гробнице Тии можно увидеть изображение гончарной печи из глины, напоминающей расширяющуюся кверху трубу; дверца печи, через которую загружали топливо, расположена внизу. Высота печи на росписи Нового царства в два раза больше человеческого роста, а так как сосуды в нее загружали сверху, то гончару приходилось подниматься по лестнице.


Египетская керамика в художественном отношении не может сравниться с греческой.Но для разных периодов можно выделить ведущие и в то же время наиболее изящные формы сосудов, особенно для додинастического периода. Для тасийской культуры характерны бокаловидные сосуды, расширяющиеся чашеобразно в верхней части, чёрного или коричнево-чёрного цвета с процарапанным орнаментом, залитым белой пастой, для бадарийской - керамика многообразных форм, покрытая коричневой или красной глазурью, с чёрными внутренними стенками и краем. Сосуды культуры Нагада I - тёмного цвета с белым орнаментом, Нагада II - светлые с красным орнаментом. Наряду с геометрическим белым орнаментом на сосудах Нагада I появляются изображение фигур животных и людей. Во времена Нагада II предпочитали спиралеобразный орнамент и изображения животных, людей и лодок. Во времена Нового царства горшечники научились расписывать кувшины и сосуды различными сценами, заимствованными иногда у резчиков по камню и дереву, но чаще порождаемые собственной фантазией, - встречаются геометрический и цветочный орнаменты, изображения виноградных лоз и деревьев, птиц, пожирающих рыбу, бегущих животных.

Цвет керамики зависел от сорта глины, облицовки (ангоба) и обжига. Для её изготовления употребляли глину в основном двух сортов: коричнево-серого цвета с довольно большим количеством примесей (органических, железистых и песка), которая при обжиге приобретала коричнево-красный цвет, и серую известковую почти без органических примесей, приобретающую после обжига разные оттенки серого цвета, бурую и желтоватую окраску. Первый сорт глины встречается повсюду в долине и Дельте Нила, второй - лишь в немногих местах, прежде всего в современных центрах гончарного производства - в Кенне и Белласе [14, С., 43].


Самая примитивная коричневая керамика, часто с тёмными пятнами в результате плохого обжига, изготовлялась во все периоды.Хорошего красного тона сосудов достигали высокой температурой при бездымном обжиге в заключительный стадии или облицовкой из жидкой красной (железистой) глины. Чёрные сосуды получали, зарывая их раскаленными после обжига в мякину, которая тлела от соприкосновения с ними и сильно дымила. Чтобы сделать у красных сосудов черный верх или внутренние стенки, коптящей мякиной покрывали только эти части. До обжига на сосуды могли накладывать светлую глину, разведенную водой, которая не только повышала водонепроницаемость, но и придавала им после обжига желтоватый тон. Врезной орнамент, заполненный белой глиной, и роспись красновато-коричневой краской (окиси железа) на тонкой облицовке белой глиной наносились до обжига. Со времен Нового царства светло-жёлтый грунт расписывали красками после обжига.


Античность

В античности появляются мифы, рассказывающие о том, как боги вылепили первых людей. Одним из таких мифов стала история о Пандоре ( греч. "всем одаренная"). Так через ремесло и миф вошли в культуру керамические сосуды.


Однако, керамика в античности - это не только сосуды. Долгое время мастера Коринфа изготовляли для всей Греции плоские керамические плиты, которыми облицовывали стены зданий и храмов. Их чаще всего украшали объёмным рельефом. Сюда же, в храмы греки приносили керамические вотивные таблички с обещаниями богам (лаг. vodvue - посвященный богам). Широко была распространена в античном мире крутая керамическая скульптура. Особенно прославился такой скульптурой маленький городок Танагра. Здесь в 3 в. до н.э. достигло расцвета искусство маленьких (5-30 см) терракотовых статуэток ( итал. terra cotta - жженая земля). Они изображали сцены из жизни и либо служили детскими игрушками, либо опускались в могилу.

Керамика для обычного горожанина часто заменяла дорогие изделия из металла. А многие бытовые вещи делались в античности исключительно из глины (веретена ткацких станков, рыболовные грузила, ульи и т.д.).


В Афинах керамическим производством занимался целый квартал гончаров. Он находился в северо-западной части города и частично располагался за городской стеной, близ большого некрополя - официального захоронения павших на войне афинян. Сосуды, изготовлявшиеся здесь, использовались и в быту, и в ритуальных целях. Технология была настолько проста, что часто использовался детский труд. Это позволяло организовывать как небольшие семейные мастерские, так и крупные производства с множеством рабов. Изготовление керамики было столь широко налажено, что название квартала (Керамик) стало названием для всех изделий из глины [14, С.,47].


Постепенно сложились три способа изготовления керамических сосудов. Самым древним была лепка сосуда вручную. Чуть позже появился гончарный круг, а затем некоторые небольшие изделия стали изготовлять с помощью формовочных штампов (негативов). Естественно менялся и характер оформления сосуда. И если при первом способе оформление еще хаотично и слабо зависит от формы сосуда, а для второго характерны ярусные росписи, то для третьего способа - рельефные украшения.

Сама же форма сосуда очень рано начала восприниматься как человекоподобная (антропоморфная). Человек ощущал сосуд как маленькое вместилище, в отличие от большого вместилища - дома или города.


Естественно, что орнамент, их украшавший, так или иначе соответствовал этому назначению - быть вместилищем души земли на разных стадиях (именно в крови тогда "видели" душу). Правда, сегодня до нас не дошли многочисленные бытовые вазы. Мы знаем лишь самые дорогие образцы, сделанные особо прочно и, главным образом, из этрусских захоронений.

Не стены пещер или храмов и даже не скульптурные фризы являлись в античности основой для выражения массового художественного мировоззрения, а маленький и подчас очень хрупкий сосуд. Весь мир оказался в руках мастера. Он становится равным богу, творцом. Маленькая поверхность сосуда заставляла экономить художественные средства. Главное - линия и цвет. Мелкая, тончайшая пластика и тонкие цветовые оттенки. Содержание всегда (даже в самых роскошных стилях) выражено скупо. Это символическое обозначение, а не изображение (один козёл, а не стадо: один осьминог, а не все морские животные). Да и сами формы крайне стилизованы: рога - овалы, ноги – палочки, туловище - треугольники и т.д. При этом, расписывая сосуд, вазописец иногда расчленяет его на чётко читающиеся антропоморфные части (тулово, горло, шейка, венчик, ручки, нога). А иногда, наоборот, создавая единый рисунок, сливает эти части в целое. Так закладываются основы искусства миниатюры.


Уже в ранней античности мы застаём огромное разнообразие форм ваз и их росписи. В крито-микенском мире для хранения зерна использовались огромные 2-х метровые пифосы, которые закапывали в землю на глубину, превышающую человеческий рост. Так в жарких условиях лучше было сохранять продукты. А с другой стороны, в быту использовали крошечные чашечки с тоненькими, практически прозрачными стенками. Сегодня их метко называют "яичной скорлупой". Здесь в росписи преобладают белая, чёрная, красная и синяя краски.


По имени критского грота Камарес близ Феста получил название первый стань античной вазописи. Сюжеты вазовой росписи всегда отражают не столько предпочтения вазописца, сколько ритуальную необходимость. Божественная пара на острове Крит была представлена соединением растительного и животного миров. Богиню символизировали растения. На многочисленных критских печатях сохранился ритуал выдёргивания священного дерева. Он проходил в середине лета и после него силы Солнца начинали убывать. Так поддерживались ритмы мира. Ведь не только растения зависели от Солнца, но Солнце зависело от растений - тесное взаимовлияние. Одновременно это был и ритуал смерти богини.


Весь растительный мир для жителя Крита распадался на две сферы. В первой - природной, естественной человек гость. Это таинственный и незнакомый мир, в который можно войти лишь в момент ритуала. Вторую растительную сферу человек создавал сам для себя. Во дворцах специально разбивались священные сады, где в особых ямах или горшках выращивались ритуальные цветы (лилии, крокусы). Такие священные деревья росли в каждом критском святилище.


Так как Крит, остров древнейшими божествами считались морские. Раковины и моллюски кораллы и осьминоги смотрят на нас с крито-микенских ваз. Из таких сосудов, снабженных магическим изображением ритуального цветка или морского животного, вливалось в тело царя-жреца не вино, но кровь бога-животного. Происходило мистическое приобщение к богу (Таинство Причастия в христианской культуре). И формы сосудов вазописцы выбирала под стать сюжету. На высоких сосудах вытягиваются в длину растения. А шарообразные словно обнимают своими щупальцами осьминоги.


Гомеровская Греция - это царство керамики. Керамика в это время настолько показательна для культуры вообще, что сегодня некоторые ученые даже выделяют особый период древнегреческой культуры - геометрику (9-8 вв. до н.э.). Квадраты, ромбы, прямоугольники, круга, линии, зигзаги заполняют пространство сосудов всего античного мира в этот период. Показательно, что в Трое не было найдено ни живописи, ни скульптуры. Лишь мощные цитадели, ювелирные клады, да обилие керамики.


Человеческий мир лучше “иных миров” поддаётся изображению. И потому вазописец знаменитой дипклонской вазы, разбивая поверхность сосуда на уровни, помещает в средней части условное, силуэтное изображение похорон. Плоские силуэтные и орнаменты не выписаны на поверхности сосуда, а еще составляют с ним одно целое. Они не стараются отделиться от поверхности, а наоборот, подчеркивают её.


В период греческой архаики возникают тысячи мастерских для изготовления и росписи керамических сосудов. Именно в это время, в 7 в. до н.э., в Коринфе возникает особый стиль вазописи, вобравший в себя восточные мотивы. По сосудам протягиваются целые ленты реальных и фантастических животных. Роспись заполняет весь сосуд, покрывая его ковром. Недаром и стиль этот назвали ковровым. Полнота жизни крупного торгового города запечатлена на поверхности коринфской керамики. На светлом, прекрасного кремового оттенка, фоне с многочисленными пятнами-розетками словно выстроились чёрные, слегка подцвеченные пурпуром, силуэты львов, леопардов, пантер, сфинксов, грифонов, пальмовых листьев и цветов лотоса. Контуры их процарапаны, что ещё больше выделяет необычные для Древней Греции фигуры. Здесь вазолисец ещё не старается достичь тонкости в полутонах, а выражает образы исключительно через силуэты. Но это уже не бесплотный мир чистых теней, как в геометрическом стиле. Немного подцвечиваясь пурпуром, он приобретает телесность, весомость. Это ещё не мир реальной Греции, но уже и не потусторонний мир Небывалые существа из других стран (чаще из Египта) стали тем мостком, что перенёс интерес художника к реальности своего окружения. Изображение здесь уже начинает отделяться от поверхности сосуда.


Во второй половине 6 века первенство в керамике перешло к Афинам. Афинская керамика преобладала на гончарном рынке более 200 лет. Первым стилем афинской вазописи стал чёрнофигурный стиль - традиционно чёрные фигуры на фоне естественной окраски обожжённой глины. На ещё сырой сосуд краской, приготовленной из глины, воды и древесной золы, наносили рисунок. Линии, которые должны были остаться красными (складки одежды, ветки деревьев), процарапывали шилом. Затем сосуд закладывали в печь. В определенный момент все отверстия в печи закрывали, происходила реакция и сосуд становился чёрным. Затем температуру в печи понижали, отверстия открывали. Окрашенные места оставались черными, а неокрашенные становились красными. Так краска закреплялась на поверхности сосуда.

На чёрнофигурных сосудах расписывали не всю поверхность, а лишь выделенные поля, отграничивая их орнаментальными бордюрами. При этом, вся поверхность сосуда заливалась теперь блестящим, зеркальным лаком. Афинский сосуд уже перестал таить в своей глубине неведомое, всё больше становясь отражением реальной жизни. А вскоре на керамике появились и первые подписи гончаров и вазописцев. Так постепенно забывался изначальный смысл керамического сосуда и он из ритуала уходил в искусство.


Почти тогда же, около 6 века до н. э., в Афинах появилась целая плеяда блестящих вазописцев (Евфроний, Евламлий и др.), которые стали работать в новом, краснофигурном стиле. Теперь уже практически ничего не связывает изображение с поверхностью, разве что композиция строится в зависимости от формы сосуда. Но сама поверхность, её плоскостность при этом усиленно преодолеваются. Красноватые (более подходящие к естественному цвету тела) фигуры теперь распределяются по планам. Появляется изображение контурной линии земной поверхности - будущего перспективного горизонта. Человеческие силуэты начинают дополняться полуоборотами голов. Гораздо мельче выписываются нюансы в изображениях лиц.

К тому же, в краснофигурной росписи изображение лежит ниже фона, "за ним", углубленно. Это достигается большой толщиной лака или фаянсового теста, покрывающего фон. Изображение все больше становится рельефным. Совсем оно исчезнет лишь в эпоху эллинизма, когда в моду войдут простые цветные вазы, украшенные лишь рельефными изображениями. Но удивительно, что чёрнофигурный метод более архаический, но и отражающий более глубинный синтез поверхности и рисунка, сохранился в Греции дольше краснофигурного.


Делали афинские мастера классического периода и белофонные сосуды с цветными рисунками - лекифы.На лекифах чаще всего изображались встречи живых с умершими и они, наполненные жертвенным маслом, ставились в места захоронений.

Изменилось в афинской керамике и содержание изображения. С одной стороны, всё чаще стали появляться мифологические мотивы, связанные с винопитием. Многочисленные пиры, игры, связанные с дионисийским культом, буквально заполоняют поверхности сосудов. С другой стороны, сосуды всё больше становятся атрибутами богов и богинь. Соответственно, появляются на сосудах и их изображения


Завершением долгого пути развития греческой керамики некоторые считают 317 г. до н. э., когда правитель Афин Деметрия Фалерскпй издал закон, запрещавший роскошь.

И лишь ненадолго, в эпоху этрусского Рима, возвращается старое ощущение сосуда как тела. Здесь часто звучит греческий афоризм "soma - sema" ("тело - могила"). И появляются сосуды для хранения пепла усопших - одни в виде тела человека с руками, ногами и головой; другие напоминают человекоподобную урну; третьи украшены фигурой человека, сидящей на сосуде; четвёртые скульптурно изображают человека (а то и нескольких) за ритуальным пиром. Ведь по этрусским представлениям переход в "иной мир" - это погружение в “вечный пир”.

Центры производства российской керамики


Гжель


Гжель. Издревле под этим кратким названием подразумевается местность, расположенная на юго-востоке Московской области, включающая несколько десятков деревень и сёл, жители которых были виртуозами керамического ремесла: жгли-обжигали глиняную посуду. Так основная деятельность местного населения и дала название региону.

Высококачественные гжельские глины послужили основой для широкого развития керамического производства, которое появилось на Гжельской земле в 4 в. до н. э. С тех пор прошли столетия, мастерство совершенствовалось. С 1339 года, момента первого документального свидетельства в духовной грамоте Великого князя Ивана Калиты, Гжель фигурирует как центр керамического производства в России, поставщик Царева Двора богатый высококачественным сырьем – глинами – и профессиональными мастерами [3, С., 17].

Гжельские мастера находились в постоянном поиске новых технологий, форм, декора. До 14 века Гжель производила гончарную посуду, в 17 веке – «чёрнолощёную» керамику, «муравленую» посуду.


В 18 веке к Гжели приходит слава крупного гончарного района, производящего художественную майолику. В начале 19 века в результате экспериментальных работ по созданию фарфора был получен так называемый «полуфаянс», роспись которого выполнялась синей смальтовой краской. И как высшее достижения керамического искусства – с 1806 года – освоен выпуск фарфора. Какой бы материал не использовали Гжельцы, образное содержание, композиционные приёмы, художественно-стилевые особенности были типичны только для данного региона. Появившийся в начале 19 века. Фарфор отличается яркой многоцветной росписью с использованием золота, люстровых красок.


Развитие капитализма в России привело к промышленному кризису. Народное искусство быстро вырождалось и на рубеже 19-20 веков пришло к полному забвению.

Своим новым рождением в 1940-х годах Гжельский промысел обязан учёному искусствоведу А.Б. Салтыкову, художнице Н. И. Бессарабовой и местным мастерицам Т. С. Дунашовой, Т.С. Ереминой и др. При разработке нового, современного стиля в фарфоре за идею был взят принцип сочетания белого фона с синей росписью, существовавший в начале 19 века на изделиях из полуфаянса, но в 1940-е годы унаследованная от предшественников техника претерпела коренные изменения: используется иной современный материал- фарфор, а так же новые керамические краски- высокотемпературный подглазурный кобальт. В 1978 году ведущим художникам Н. И. Бессарабовой, Т. С. Дунашовой, З. В. Окуловой и Л. П. Азаровой « За достижения в возрождении, становлении и развитии искусства Гжели, в создании современного стиля гжельского фарфора с подглазурной росписью кобальтом» присуждена Государственная премия им. И. Е. Репина.

Гжельские фарфоровые изделия изготовляют из глины путем обжига модели изделия при высокой температуре. Роспись наносится вручную кобальтовыми красками и является подглазурной, что гарантирует роспись от временного "выгорания"[7, С., 33].


Скопинская керамика


Скопинский гончарный художественный промысел - традиционный центр народного искусства на рязанской земле. Своим возникновением промысел обязан глине, залегающей в больших количествах в окрестностях города Скопина. Глиняная посуда в местах, где позднее появился город Скопин, делалась еще во времена Киевской Руси. В этой посуде сбивали масло, заквашивали тесто, хранили молоко, воду, квас.


Годом рождения скопинского гончарного промысла считается 1640-й. В этом году в переписи населения появилось первое имя скопинского гончара - Дёмка Киреев, сын Берников [24, С. 3].

Скопинский гончарный промысел развивался как и многие другие в России, производя гончарную посуду для крестьянского быта, печные трубы, кирпич, черепицу. Но во второй половине 19 века в Скопине появилась отрасль, прославившая его далеко за его пределами, - производство глазурованных фигурных сосудов и подсвечников, многоярусных, украшенных сложной лепниной, выполненных в виде диковинного зверя или с фигурами птиц, рыб и животных.

"Ничего равного этим произведениям русского народного искусства мы не видем среди скульптурных, посудных изделий других народов", - так оценивал изделия скопинских мастеров конца 19 - начало 20 веков один из крупнейших русских искусствоведов А.Салтыков.

Спрос на декоративные изделия поощрял мастеров делать их на продажу. Фантазийные фигуры возили на праздничные базары в Москву, Рязань, Липецк, а также в города южной России и на Украину. Их охотно покупали любители "экзотики" народного искусства, коллекционеры, иностранцы.


Достаточно быстро Скопин приобрёл невиданную популярность. Изделиями скопинских гончаров стали пополняться крупнейшие музеи России. Благодаря этому, современный посетитель Московского Исторического и Историко-архитектурного музея-заповедника может ознакомиться с прекрасными коллекциями скопинских работ конца 19 - начала 20 века.

В 1902 и 1913 годах скопинские изделия экспонировались на кустарных выставках и были неоднократно отмечены наградами. В 1900 году они были представлены на выставке в Париже.

Скопинский промысел всегда отличался широким ассортиментом изделий, буйством фантазии, исключительной смелостью пластических решений, оригинальными конструкциями сосудов, подсвечников, скульптур. Наряду с лаконичными гончарными формами делались сосуды с богатой лепниной, с изображением различных птиц, рыб, животных, сказочных и былинных персонажей. Орнамент наносился всевозможными штампиками и стеками по сырой глине в виде оттисков. Характер орнамента мог быть как растительным, так и геометрическим, но геометрический преобладал. Изделия глазуровались цветными поливами различных оттенков коричневого, жёлтого, зелёного, серо-синего цвета


В изделиях скопинского промысла всегда чувствовался пытливый характер мастера-экспериментатора, часто изобретавшего новые формы, способы декорирования и обжига, порой заимствуя их из других ремесел. В начале 20 века в городе насчитывалось около 50 мастерских. Некоторые впоследствии были объединены в артель "Керамик". На базе этой артели была создана Скопинская фабрика художественной керамики. Большой талант, настоящая одержимость мастеров и виртуозное мастерство гончаров-художников смогли не только бережно сохранить до наших дней исконно русские традиции, неповторимый народный колорит уникальной скопинской керамики, но и продолжить их развитие, создавать новые варианты скульптурных и многоярусных сосудов, кувшинов, подсвечников [24, С. 37].


Изделия скопинских мастеров экспонируются на многих выставках. Участвуя в конкурсах, художники Скопина часто занимают призовые места.

Работы которые могут быть Вам интерессными lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-13-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-14-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-15-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-16-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-17-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-19-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-20-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-21-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-23-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-24-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-25-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-2-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-5-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-6-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-7-stranica.html

lyudi-svidetelstvuyut-golos-naroda-golos-boga-9-stranica.html

lyudi-tak-iskrenne-verili-kartine-chto-chasto-na-vistavke-nahodilsya-kto-to-kto-bil-ubezhdyon-chto-hudozhnik-narisoval-sam-sebya-drugie-somnevalis-nachinalis-spori.html

lyudi-tipa-yes-butter-u-why-notter.html

lyudi-tvoryashie-bezumstva-vovse-ne-obyazatelno-bezumni.html

lyudi-u-kotorih-not-deneg-ne-delayut-bogatstvo-neobhodimostyu.html

lyudi-u-kotorih-vse-mechti-ostalis-v-proshlom.html

© domain.tld 2017. Design by Design by toptodoc.ru


Автор:

Дата:

Каталог: Образовательный документ